Толпы людей стекаются на «Спиральный джетти», NFTs Уорхола стоят $3,38 млн. и многое другое: Morning Links from May 28, 2021

To receive Morning Links in your inbox every weekday, sign up for our Breakfast with ARTnews newsletter.


WITH MUSEUMS SHUTTERED DURING COVID LOCKDOWNS, Robert Smithson’s Spiral Jetty (1970) in Utah’s Great Salt Lake became a hot ticket. One day in March of 2020, some 700 vehicles visited the remote site, the Art Newspaper reports. “There was a big increase in visitors during the pandemic, but the uptick has continued,” Kelly Kivland, a former Dia Art Foundation curator, said. (Dia helps care for the storied earthwork; Kivland was just named chief curator of the Wexner Center in Columbus, Ohio.) It sounds like people are behaving themselves while visiting, but Box Elder County has snapped up 10 acres nearby to add parking and toilets—a thoughtful move.

RESEARCHERS HAVE IDENTIFIED WHAT THEY BELIEVE IS the earliest evidence of humans engaging in “regular, small-scale conflicts,” Science News reports. Skeletons from a cemetery known as Jebel Sahaba in Sudan, which date back 13,400 and 18,600 years, exhibit signs of combat injuries, both healed and not, according to a new paper in Scientific Reports. Эти травмы, вероятно, были нанесены «каменными копьями, остриями стрел или в ближнем бою» (что звучит неприятно). Насилие могло быть результатом нехватки ресурсов, вызванной экологическими изменениями.


David Adjaye, the architect behind the National Museum of African American History and Culture in Washington, D.C., and the forthcoming home for the Studio Museum in Harlem, received the Royal Gold Medal from the Royal Institute of British Architects in a virtual ceremony. Among the speakers were U2 frontman Bono and President Barack Obama, who called the NMAAHC “genius, pure and simple.” [Dezeen]

After four years as director of the Israel Museum, Ido Bruno is stepping down. Следующий директор еще не выбран. [The Times of Israel]

Каждый год, когда в Израиле был создан новый музей.

The five controversial NFTs that the Andy Warhol Foundation minted for digital works that the artist made on an Amiga 1000 computer around 1985 sold for about $3.38 million at Christie’s. [Пресс-релиз/Art Daily]

The artist Arturo Luz, who created one of the first commercial galleries in the Philippines, in 1960 in Manila, and who the founding director of the Metropolitan Museum of Manila, has died. [ArtAsiaPacific]

With shows now running at Gladstone on Manhattan’s Upper East Side and the Louisiana Museum of Art in Humlebaek, Denmark, Arthur Jafa got the profile treatment. До недавнего времени «я был неудачником, по большому счету, в своем собственном сознании», — сказал он. [The New York Times]

The sculptor Uri Aran, who showed with the now-closed Gavin Brown’s Enterprise in New York (like Jafa), has joined Andrew Kreps Gallery. [Пресс-релиз/Art Daily]

“Did paying a ransom for a stolen Magritte painting inadvertently fund terrorism?” Пристегните ремень безопасности, прежде чем нырнуть в этот стеб. [Vanity Fair]


FOR DECADES, THE WHEREABOUTS OF A HOUSE that graced the garden of the Museum of Modern Art in New York in 1950 were unknown to the institution. Now the airy, modernist structure, which was designed by architect Gregory Ain, has been найдено в Кротон-он-Хадсон, New York, thanks to the research work of historian George Smart, the New York Times reports. “I knew that it was a famous house,” its owner since 1979, Mary Kelly, said. «Этот дом не был потерян. It’s been here all this time.” The Times paid a visit, and it’s now filled with art, and largely unchanged since its MoMA star turn. Он выглядит великолепно. [The New York Times]

Благодарим вас за чтение. Увидимся в понедельник.

UCCA открывается в Шанхае, коллекционер утверждает, что нашел Ван Гога, и многое другое: Morning Links from May 21, 2021

To receive Morning Links in your inbox every weekday, sign up for our Breakfast with ARTnews newsletter.


CRYPTO PRICES DROPPED THIS WEEK, and the jury is still out on the longevity of the non-fungible-token market, but those tokens certainly keep generating news. Model Emily Ratajkowski sold an NFT of a photo of herself for $175,000 through Christie’s, in a move inspired by the use of her image by the king of appropriation art, Richard PrinceArchitecture Digest has the story. Model Kate Moss is getting in on the act as well. She’s currently auctioning a video of herself sleeping with the title Sleep With Kate, the Guardian reports. Andy Warhol made what has to be the most famous sleeping film of all time (with the late, great artist John Giorno as the subject), and as it happens, Warhol’s foundation is getting into NFTs. It’s offering five digital works that Warhol created on his Commodore Amiga in the 1980s as tokens.

ALL EYES ARE ON CHINA THIS WEEK. Art Basel is running in Hong Kong, where a $20 million Joan Mitchell нашел покупателя, and the Beijing-based UCCA Centre for Contemporary Art is opening its third branch, in Shanghai. The UCCA Edge takes up three floors of a commercial building in the city of more than 24 million people. The new outpost allows the museum to reach a wider audience , its director, Philip Tinari, told the South China Morning Post. «В Пекине по-прежнему очень высокая концентрация художников, кураторов, критиков, иностранных СМИ и интеллектуалов, своего рода специализированная публика. В Шанхае существует широкая городская культура культурного потребления», — сказал он. A show of work from the Andy Warhol Museum in Pittsburgh will run at the venue this summer.


The Akron Art Museum in Ohio has been without a director and chief curator for more than a year, and some in the local art community are raising concerns. Его бывший руководитель ушел в отставку в мае прошлого года на фоне обвинений в расизме и сексизме, которые он отрицал. [Akron Beacon Journal]

Artist Reginald C. Adams has created a mural in Galveston, Texas, to commemorate the freeing of enslaved Black people in Texas on June 19, 1865—Juneteenth. The 5,000-square-foot mural is located at the place where General Gordon Granger issued the order. [The New York Times]


With the Chinese government cracking down on free speech in Hong Kong, artists there are being careful about what they present in their work, while still finding ways to engage with hot-button issues. «Сейчас мы ведем себя так, как будто мы в Пекине или Шанхае», — сказал один художник. [The New York Times]


When the Royal College of Arts was closed last summer amid the pandemic, art supplies and works belonging to students were picked up and put in storage. Некоторые из этих художников утверждают, что их материалы были повреждены или утеряны, и они планируют подать иск. Школа заявила, что планирует предложить компенсацию. [The Guardian]

The Australian artist Kate Bohunnis is the winner of the Ramsay Art Prize, which is given every two years to an artist from the country under the age of 40. Она получает чек на 100 000 австралийских долларов (около 77 700 долларов США). [The Guardian]

“Men are dressing like painters—and paying hundreds to do it,” the Wall Street Journal reports. A Ralph Lauren label, for one, has paint-splattered jeans on offer for $429. Pigment-bedazzled Nikes will set a man back around $100. [The Wall Street Journal]


THE ART COLLECTOR STUART PIVAR, WHO COFOUNDED the New York Academy of Art, claims that he has discovered a Vincent van Gogh landscape that the artist painted in the last year of his life, Page Six reports. It is reportedly being sent to the Van Gogh Museum in Amsterdam for authentication. Пивар неясно рассказал, откуда именно взялась картина («с непонятного аукциона в Северной Америке», — предложил он), но он четко описал свою реакцию на то, что увидел ее лично: «Я потерял дар речи, я был в абсолютном шоке, до такой степени, что почувствовал электрические волны, проходящие вверх и вниз по моему телу». [Page Six]

Благодарим вас за чтение. Увидимся в понедельник.

Стрит-арт в эпоху Баскии: Fab 5 Freddy and Lee Quiñones on Post-Graffiti Pop Soup

The following is part of a series of interviews with key figures in Jean-Michel Basquiat’s downtown New York circle in the 1980s. Интервью были взяты в феврале куратором Музея изящных искусств Бостона Лиз Манселл и писателем и музыкантом Грегом Тейтом, которые вместе курировали выставку «Письмо будущего: Баския и поколение хип-хопа», представленную в МФА до 25 июля. ARTnews будет публиковать по четыре интервью из этой серии каждый день на этой неделе.

 It’s often been nostalgically evoked that graffiti on subway cars, racing through an economically collapsed New York City of the mid-to-late 70s, brought color and life, however provocative, to an otherwise bleak, gray cityscape. Но белые культурные элиты полагали (и во многом до сих пор полагают), что граффити в метро не связано с историей искусства и является «народным» или «аутсайдерским» искусством (читай — его создателями были в основном молодые, «необученные» цветные художники). Поезд Fab 5 Freddy в 1980 году Campbell’s Soup (подробно обсуждаемый во второй части этого интервью) доказал, что эти художники осознали свое законное место в истории искусства, и предвещал их переход в музеи и галереи по всему городу. In early 1981, Fab 5 Freddy, Lee, Basquiat, Lady Pink, and others—still in their late teens and early 20s—showed at P.S.1 in the landmark group exhibition “New York/New Wave,” where Lee (and his dad), and the burgeoning movement, met Warhol face to face. Эта выставка, наряду с несколькими другими, положила начало их восхождению в ряды поп-арта и позиционировала их как главных двигателей возвращения к дерзкой цветной живописи и громкому и свободному подходу к искусству и созданию пространства в 1980-х годах. -Лиз Манселл


Лиз Манселл: Культура граффити 1970-х годов часто описывается как хаотичный и навязчивый захват общественного пространства. Она редко формулируется как организованное, амбициозное, массовое художественное движение, движимое молодыми людьми, которые стремились заявить о себе в разгар экономического краха величайшего города мира. Какова была миссия культуры граффити 1970-х и начала 80-х годов, и как вы двое стали партнерами в этом деле?

FAB 5 FREDDY: Когда люди в игре граффити общаются друг с другом, происходит обмен информацией — так вы учились делать разные вещи в граффити в те времена и так распространялась культура. Граффити-райтеры делились друг с другом ключами, чтобы попасть в туннели, и предложениями типа «о, вот здесь можно попасть в эти поезда». Так что, исходя из этого, я связался с ними. Ли был мастером. Я хотел связаться с ним, чтобы начать диалог и поделиться с ним своими идеями о том, как мы перейдем с улиц в мир искусства.  У него было много ранних рисунков, удивительных работ, которые были как бы чертежом того, что Ли делал в поездах и на гандбольных площадках, что было невероятно. Влияние его работ, а также, очевидно, то, что он пришел из традиции граффити и затем поднял ее в совершенно другую сферу, в мурализм — это была энергия, которую я сравнивал с мексиканскими муралистами, такими как Диего Ривера, Ороско и Сикейрос.

Я не знаю, что это такое.

Я ’ботаник от искусства. Я погрузился во все это дерьмо и начал видеть связи с тем, чем было граффити в своей основе: многое в нем было вдохновлено комиксами и другими идеями популярной культуры, такими как логотипы — как сделать имя больше и лучше. И одна из вещей, о которых мы говорили, и я показывал ему, это то, что были художники поп-арта, и что поп-арт был движением, которое произошло примерно за 20 или около того лет до этого, и эти парни были вдохновлены теми же образами, что и мы. Я подумал, что поскольку мы появились после них, это вписывается в историю искусства, даже если мы не принадлежим к формальной традиции. Ли сразу же все понял. И в то же время я многому учился у Ли: его коллекции красок, технике, цветам. Он знал все это дерьмо вдоль и поперек — он был чистым художником. Так что пока мы обменивались идеями, я получал мастер-класс, потому что никто не рисовал лучше Ли, особенно в таких масштабах, и то, что он делал, и то, как он это делал, было просто очень круто.

Марта Купер, фотография Lion's Den Ли Киньонес (LEE), Нижний Ист-Сайд, Нью-Йорк, 1980, C-принт, 16" x 24".

Марта Купер, фотография Lion’s Den от Lee Quiñones (LEE), Lower East Side, New York City, 1980, C-print, 16″ x 24″.

LEE QUIÑONES: Он ’абсолютно прав. Мы говорили об искусстве, а потом о технике, мы как бы переходили из рук в руки и получали отличное товарищество. Я хочу сказать, что после этих бесед я узнал об итальянских футуристах и движении дада благодаря Фреду. Я не знал об этих движениях. Возможно, я мог бы познакомиться с поп-музыкой. Может быть, коробки Энди «Brillo» мелькнули у меня в глазах или что-то в этом роде, но я не запомнил их как часть какого-то движения. Позже я начал понимать, что граффити было бы без дадаистов и футуристов, потому что они были частью восстания и результатом того, что основная культура была перевернута с ног на голову, например, футуристы в связи с промышленной революцией.


Грег Тейт: Ну, да. Я имею в виду, что есть один аспект, в котором они оба вышли на улицы. Один из них сказал: “Ну, высший дадаистский акт — это просто выстрелить из пистолета в толпу”


FAB 5 FREDDY: Я искал эти способы, чтобы помочь нам продвинуться в это пространство мира искусства радикальным образом, потому что я вырос среди кучи радикальных, теоретических вещей. Мой отец увлекался трудами Мао Цзэдуна и всеми интеллектуальными вещами, которые были основой многих политических движений контркультуры. Люди смотрели на прогрессистов, стоящих на ногах в других местах и других культурах, которые боролись против угнетающих взглядов и институтов. И я копал эту энергию и связывал ее с тем, что происходило с граффити — просто дикая вещь. И тогда у меня появились идеи — концептуальные, стратегические — которые были продолжением моего творческого процесса, как создать лучшую среду для реализации тех вещей, которые мы пытались сделать и сказать.

Я знал, что это не так.

Я знал, что если мы объединимся с Ли и его навыками, то это окажет сильное воздействие. Я просто хотел помочь нарисовать картину, чтобы мы все выглядели лучше, потому что мне не нравился тот факт, что любой молодой чернокожий или латиноамериканец почти всегда изображался в негативном свете. Для меня Говард Утка Ли был как идеальная картина в стиле поп-арт. Говард Дак был чем-то вроде крутого Дональда Дака. А потом Ли написал небольшое послание в левом верхнем углу этой работы: “Если искусство — это преступление, пусть Бог простит всех.” И это просто сказало мне, что Ли понимал, что это искусство. Все, кто делал граффити, явно не говорили: &#8220 «Эй, я художник’ в этом смысле. Это было больше похоже на “Я хочу, чтобы мое имя было повсюду. Я хочу, чтобы вы знали, что я &#8217- тот самый MF’er, который убивает это дерьмо.” И извините за мой французский, но именно так я разговариваю с друзьями, просто поддерживаю реальность!

В юности я начал читать о поп-арте и видеть образы, которые были похожи на «О, это “О, это ’похоже на вещи из комиксов, Супермена и т.д.». Это было очень доступно, и связь с тем, что сделал Уорхол — то, как он подходил к популярной культуре, работая в различных средствах, — это просто подходило под то, чем, по моему мнению, могло бы быть это движение, и связи, которые я видел, могли бы помочь принести его в будущее. Для меня, когда я просматривал журналы по искусству и узнавал о минимализме и некоторых идеях концептуального искусства, актуальных в &#8217- 70-е годы, я восставал против этого, потому что чувствовал, что это было слишком банально и академично — пришло время для некоторого разрушения. Мы все чувствовали, что это приторно и скучно. Я имею в виду, в общих чертах. Мы реагировали против этого и нынешней атмосферы и хотели больше цвета, в прямом и переносном смысле, как люди в этих пространствах.

И я всегда хотел, чтобы в игру включилось больше цветных голов. That was the thing discussed  often talking to Jean [-Michel Basquiat], we just wanted to see more heads that looked like us in the space. Это было очень важно и стратегически важно. Я видел котов, которые, как мне казалось, были достаточно умны и талантливы: эти парни могут вписаться в это видение, и они могут справиться со всем, что с ним связано — это Rammellzee, Futura, Crash, Daze и многие другие. Вы понимаете, о чем я говорю?

LEE QUIÑONES: Ты ’прав. Я имею в виду, что большинство, если не все, писатели того времени, мы называли себя и идентифицировали себя как «писатели», а не художники. Написанное слово, формирование слова, переработка слова, или как бы вы это ни называли. В то время нас все устраивало. Йо, что ты пишешь? О, он пишет это. Это писатели, и это писательская скамейка, где мы встречались. Потом наступила путаница, когда люди стали говорить «Граффити-арт». Что же такое граффити? Этот термин означает нацарапать и испортить… так? Тогда искусство и художники граффити — это просто не сопоставимо, потому что вы &#8217- называете нас вандалами с одной стороны, а потом вы &#8217- называете нас художниками.

Мурал Говарда Утки, нарисованный Ли Киньонес’ом на гандбольной площадке в нижнем Манхэттене, ок. 1970-80-х годов

Чтобы расставить все по времени, Стена Говарда с уткой [фреска размером 25 на 35 футов на стене гандбольной площадки] была нарисована где-то весной 1978 года. И вскоре после этого мы с Фредом встретились. Но, по сути, та стена для гандбола была очень особенной по ряду причин. Благодаря ей я почувствовал, что пришел как художник, было спокойствие от работы над этим неподвижным объектом. У вас никогда не было возможности почувствовать себя художником, когда вы постоянно следите за своей спиной, рисуя на поездах». Мы говорим о 1978 годе, когда я поднялся над землей. К тому времени я уже был на пути к 120 целым вагонам поезда, которые я сделал с 1974 по 1984 год. Итак, после того, как я годами пробирался в железнодорожные дворы, я теперь рисовал на публичных улицах, выставляя себя напоказ, чего раньше не делал. Говард, как сказал Фред, был чем-то вроде контркультурного супер субгероя. Потому что он не был ни Даффи Даком, ни Дональдом Даком, все было как положено и чисто. Он был радикально настроенным чуваком, на котором лежала мода.

GREG TATE: Грубый мальчик. Он был грубым мальчиком.

LEE QUIÑONES: Точно, точно. Именно. И он стал моим талисманом. Он стал талисманом практически противоположности того, кем я был, то есть я был более интровертированным и более замкнутым, как краб, по очевидным причинам того, что я был граффити-законником, которого больше всего хотели.

Ли Куисонес.

GREG TATE: Фред &#8217- говорил о твоих навыках, парень. Очевидно, что вы приобрели множество навыков еще до того, как задумались о том, чтобы повесить что-то на поезд, но мне ’также интересно, что из этого можно перенести, а что вам пришлось изобрести, понимаете, о чем я, чтобы работа была такой динамичной на поверхности поезда в три часа ночи или еще где?


LEE QUIÑONES: У нас было очень ограниченное время для создания этих вещей — от 8 до 12 часов, если повезет, может быть, целые выходные, если повезет еще больше, что не так уж и много времени на скороварке, под которой ты находишься, верно? Вы’ оглядываетесь через плечо. Вы ’смотрите вниз на третий рельс. Все эти вещи происходят еще до того, как вы начинаете нажимать на сопло. Вы должны усвоить, что эти поезда всегда были только одной формы, 52 фута на 7 футов в высоту, а я ’ботаник по поездам. Так что вам придется размещать вещи определенным образом на этом прямоугольнике и адаптироваться к такому пространству, где бы вы’ ни находились.

В определенный момент вам нужно начать исследовать, где вы собираетесь разместить свое имя, где вы собираетесь разместить персонажей и тому подобное, чтобы поезд стал более динамичным и имел больше связи со всей кинетической энергией его движения мимо вас. Независимо от того, прибывает ли поезд на станцию или на экспресс-путь, вы должны учитывать оптические впечатления, которые получит от него публика. Когда появилась система буферов, чтобы очистить окна — если у них вообще были деньги на это — ваша работа становилась фрагментарной, как только они очищали окна, если часть ее была там. Таким образом, вам приходилось учитывать тактику, которая использовалась в целях безопасности, для очистки окон, чтобы создать правильную композицию.

И это было упражнение во многих различных техниках, помимо собственно композиции. Выбор красок, расширение палитры, поскольку я контрабандой ввозил краски из Европы еще в 1979 году. У них были цвета, которых не было в американской палитре. И обрезка, или обводка, и, в конце концов, отказ от контуров персонажей и букв в пользу трехмерности. И размышления обо всех других испытаниях, через которые проходят вагоны поезда, например, некоторые железнодорожные линии были грязными, и я знал, что не стоит задевать эти линии.

И все это исследование, которое нужно было провести, чтобы найти, куда пойти в сотне разных дворов и туннелей, какой из них лучше всего подходит для отведенного тебе времени на то, что ты собираешься создать этой ночью. Если нам нужно было восемь часов, то нужно было идти на Utica Avenue, потому что там тихо в течение 10 часов. Так что туда вы’ и пойдете. В общем, весь этот логистический кошмар, который нужно было пройти и учесть. Фред, наверное, может подтвердить это: Я боялся встретить граффити-райтеров во дворах, потому что мне казалось: “О Боже, они&#8217- узнают, где мы&#8217- рисуем и как я&#8217- делаю свое дерьмо”


FAB 5 FREDDY: Ли был не из тех писателей, которые хотели быть в одном ряду с другими писателями. Были писатели, которые делали это и ходили в места, где собирались писатели, чтобы посмотреть на нарисованные поезда, пообщаться и попинать друг друга. Это была большая вещь. Ли был полностью как бы отстранен … он не хотел выставлять себя на всеобщее обозрение. Поэтому многое из того, что мы сделали в [фильме] Дикий стиль (1983), отражало то, как он на самом деле был настроен. Мы создали персонажа Зорро, который в значительной степени соответствовал тому, как Ли любил двигаться. Под радаром, потому что он был самым целеустремленным котом. Я также слышал, что это послужило большим вдохновением для того, как Бэнкси двигается сейчас. Как Зорро в Wild Style!

В то время в МТА существовал отдел по борьбе с граффити, и у них были имена самых крупных парней. На вершине кучи был Ли. Он, конечно, знал об этом. Вот почему, когда я пришел на первую встречу с ним, я буквально влетел в его классную комнату, а он такой: «О нет, о черт” — он подумал, что я из полиции под прикрытием.

LEE QUIÑONES: Вся эта практика, которую я совершенствовал, на самом деле помогла уберечь меня от улицы, от многих плохих решений. Некоторые из моих друзей, к сожалению, выпустили себя на волю и оказались в застенках. I was able to find my artistic voice by staying reclusive and that voice was so seared in the way I worked and walked through life, that now, going above ground and then into the art world, now I had to unlearn that thick skin I had, to have open conversations about my work,  it was having to explain myself and maybe even edit myself for a whole different theater. В то время существовал некоторый снобизм и замкнутость. Меня это очень пугало. Я всегда была человеком читающим, я люблю читать, мне нравилось смотреть. Но я чувствовал себя очень запуганным, потому что мне казалось, что у меня нет правильного диалога или у меня нет правильного жаргона.

Я чувствовал, что мне придется заново создавать и изобретать себя, стараясь сохранить значимость моих картин, моих работ и моих слов для меня. Так что это был очень пугающий переход, который занял, честно говоря, несколько лет. Мы говорили о черном опыте, о латинском опыте в Нью-Йорке, как это делал Жан [Мишель Баския], и это было в 19 лет, в 20 лет, и потребовалось довольно много времени, чтобы почувствовать себя комфортно в этом контексте и сохранить свою целостность.

Лиза М. М..

ЛИЗ МУНСЕЛЛ: Давайте вернемся немного назад во времени, к тому, что укрепило вашу репутацию в мире граффити. Во времена, когда районы Нью-Йорка были строго разделены по классам и расам, команда Fabulous 5 была межрайонной, многорасовой (черные, латиноамериканцы, шведы и ирландцы) группой молодых художников — Грязный Слизняк, Раб, Моно, Док 109 и Ли. Сейчас нам трудно представить, но в те времена сделать так, чтобы твоя работа стала «общегородской» в поездах и разрушить некоторые из этих барьеров, было чем-то из ряда вон выходящим. Ли присоединился к граффити-команде Fabulous 5 в 1975 году, и к концу 70-х годов эта группа стала почитаемой, а Фредди из Fab 5 начал принимать ее наследие и думать о том, как еще больше продвинуть его вперед. (Вскоре он получает от этой группы свое имя, которое впервые прозвучало в песне группы Blondie 1980 года «Rapture»). Как Fabulous 5 удалось стать одной из самых успешных команд в истории медиа?

LEE QUIÑONES: Мы были очень тесной группой, братством, и мы рисовали совсем недолго, может быть, четыре или пять лет вместе с намерением создавать только целые машины. По сути, это было так: «Ребята, мы должны делать целые машины, потому что на фоне всего остального, что происходило, единственный способ привлечь к себе внимание как к группе, как к важной части этого движения — это выйти с целыми машинами. Мы также сделали один целый поезд — все десять вагонов на линии метро — на Рождество 1976 года, первый успешно запущенный, находящийся в эксплуатации полный поезд в истории. Имейте в виду, что в то время Фред также пытался привлечь нас к коллективному созданию картин, почти как воссоздание тесной группы художников, чтобы сделать эти заявления в мире изобразительного искусства.

FAB 5 FREDDY: В процессе нашей встречи и общения остальные четыре парня практически перестали работать, но я помню, что связался со Slug’ом, кажется, однажды встретил Mono, Doc’а, Slave’а, с ним я стал крутым. Я давал им краткую идею того, что я пытался сделать — по сути, работать с наследием, которое они создали, и перенести его в другую сферу, потому что я чувствовал, что они были самой влиятельной группой в граффе. В каком-то смысле то, что они сделали, было просто монументально.

Так что у меня было благословение других участников. Ли, помнишь, как мы впервые встретились с [художником] Стэном Пескетом и нарисовали вывеску у склада уникальной одежды на Бродвее под 8-й улицей — это был единственный магазин, где продавалось подержанное дерьмо? Это была наша первая оплачиваемая работа, Ли. Они покупали старую джинсовую одежду и красили ее в яркие цвета, и тогда это была модная и дешевая мода. Я, ты, Slave и Жан-Мишель [Баския] все рисовали в Unique. Я и Ли сделали вывеску снаружи, и Слейв тоже работал над ней. А потом Жан делал всякую хрень внутри, пока не разозлился на них и не уволился! Помнишь, как Жан уволился? Он вышел, кричал и ругался на кого-то в магазине. И я помню, как мы спустились с лесов, и я помню, как он сказал: “Я больше не буду рисовать футболки и двери холодильников. К черту их.»

ЛИЗ МУНСЕЛЛ: Если это была первая работа, то появилась ли она в результате колонки Village Voice, предлагавшей ваши «услуги граффити» в феврале 1979 года?

FAB 5 FREDDY: Гленн О’ Брайен консультировал меня, и именно он связал меня с парнем из Voice, Говардом Смитом, чтобы получить ту первую заметку, где мы предлагали свои услуги по 5 долларов за квадратный фут. Мы приходим и распыляем краску, делаем стену или что-то еще, зарабатываем несколько баксов. И этот итальянский арт-дилер увидел ту небольшую статью, связался со мной, а потом пришел, и это было что-то вроде “Святое дерьмо», я имею в виду большое «Вау!». И это вылилось в приглашение сделать выставку в его галерее в Риме. Так что мы продолжали получать показатели, идеи работали, происходили вещи, которых мы не ожидали, и благодаря работе над Village Voice мы также познакомились со Стэном Пескетом. Это был английский художник, который пригласил нас поработать в его огромном лофт-пространстве и сделать картины. Все определенно начало происходить. Вспоминая тот эпизод в студии Пескетта, могу сказать, что он был плодотворным, но мне не понравилось, как он с нами обращался. Мы встретились, и там я близко сошелся с Жан-Мишелем, и Майкл Холман также сыграл ключевую роль в том моменте. Стэн поддерживал отношения с Unique Clothing и должен был заняться росписью магазина, но поручил это нам.

Он и его команда уехали на две недели в Италию и оставили нас работать в студии вместе с Жан-Мишелем, который начал делать свои первые художественные открытки, которые потом продавал на улицах Сохо. Мы с Ли рисовали на чердаке гигантские пластиковые листы размером 10 на 30 футов, развешивали их и просто распыляли на них краску. Стэн практически выгнал нас, когда не смог собрать деньги за наши работы, которые он привез в Италию.

LEE QUIÑONES: Да, я помню, как незадолго до вечеринки Canal Zone Party [в апреле 1979 года художники устроили вечеринку в лофте Пескетта на Канал-стрит, чтобы отметить созданные там фрески Ли и Фредди из Fab 5], мы закончили, я думаю, три таких фона. И мы сделали несколько небольших картин для выставки, которая должна была состояться в Риме. И я помню, что Жан пришел, возможно, как обычно, с опозданием, на вечеринку Canal Zone Party у Стэна Пескетта, и он рисовал по крайней мере на одной из этих салфеток.

Вечеринка Canal Zone Party.

FAB 5 FREDDY: Клаудио Бруни, итальянский арт-дилер, о котором я упоминал, пришел встретиться с нами в лофте Стэна, и Бруни сказал: “Я хочу, чтобы вы сделали несколько картин, чтобы я мог увидеть, как работа выглядит на холсте” Так что мы сделали пару, потом еще пару. Он сказал: “Хорошо.” Он увидел, что мы умеем рисовать, и ему понравилась работа.

Ли Киньонес: FAB 5, 1979.

LIZ MUNSELL: Итак, включает ли это картину, которая находится в коллекцииKAWS, Fab 5, 1979 Ли, которая’ в конечном итоге изображена на обложке каталога вашей выставки в Риме?

LEE QUIÑONES: Да, да, именно, все это было частью первой серии работ. Выставка в Риме, Италия, состоялась в декабре 1979 года, так что в те самые переломные шесть-восемь месяцев, предшествовавшие созданию этих картин и установлению связей, происходило очень многое.

Лиза Куисонес.

ЛИЗ МУНСЕЛЛ: Я собиралась спросить об Уорхоле, который был в миксе в начале 80-х, и почему он стал такой важной фигурой для вас, ребята. Но, наверное, я хочу перевернуть этот вопрос и сказать, что вы вернули его в моду, ваше поколение было важно для него.

Мураль Ли Киньонес и Fab Five Фредди в Вашингтоне, округ Колумбия, 1982 год, с цитатой Уорхола.

LEE QUIÑONES: Энди Уорхол пришел на нашу первую большую выставку, выставку New York/New Wave, которую курировал Диего Кортес в начале 81 года. Я познакомился с ним там, а он познакомился с моим отцом. Я представлял портрет Дебби Харри, который находится на [нынешней выставке MFA], вдохновленный портретами Уорхола и красотой Дебби. Это был способ отплатить ей, Крису Стайну и группе за то, что они представляли культуру, особенно в клипе на песню «Rapture».

FAB 5 FREDDY: Думаю, в этом и заключался гений того, что смог сделать Энди. Он был на вершине, где бы ни находилась энергия, и он каким-то образом подключался к ней. Он следил за всем, что происходит. Он знал, что мы бурлим и издаем сумасшедший шум, он знал, что это за рутина. Но на самом деле именно связь с Жан-Мишелем, а затем и сотрудничество с ним, заставили его снова взяться за кисть, чего он больше не делал. Монументальный момент в схеме того, к чему мы все пришли. Мы знали, что все это было очень волнительно для Энди, поскольку он откликался на то, что мы делали, а с учетом связи, которую он имел с Китом [Харингом] и Жаном, это было поворотным и очень особенным моментом. Энди появлялся на различных мероприятиях, которые мы тогда проводили, подключаясь к энергии, которую мы создавали, и он отвечал взаимностью. Я имею в виду, что признание с его стороны много значило для многих из нас в то время.

LIZ MUNSELL: Но было время, когда его работы просто не были в моде, тот период минимализма, о котором мы говорили. А потом он как бы вернулся на сцену. И я думаю, что хочу поставить это в заслугу вам, ребятам вашего поколения, и не только это, но и то, что вы вернули эту смелую живописную эстетику после того, как живопись была объявлена мертвой. Она вернулась во всей дерзости граффити и поп-музыки, во всех этих ярких цветах. Никакой сдержанности. Грег задает вопрос в 1989 году, а я отвечаю на него в своем эссе в каталоге выставки [MFA], что граффити в пейзаже, а затем движение пост-граффити, было ответственно за то, что мир искусства перестроил свою эстетику в этот очень громкий, смелый экспрессионистский «возврат к живописи», потому что вы все так дерзко захватили серый пейзаж города в 70-х годах.


FAB 5 FREDDY: Это очень хорошая мысль, и я бы сказал, да… Два художника, которые мне очень нравятся, очень мало упоминаются о том, что на них явно повлияло то, что происходило на улицах вокруг них. Фрэнк Стелла и Джон Чемберлен, лично для меня, их работы наполнены энергией нью-йоркского граффити. Многие художники, которые чувствовали и улавливали энергию улиц, просто не готовы были отдать реквизит или признать это, может быть, по невежеству, по расовым причинам, по каким угодно глупым причинам, чтобы не принять то, откуда исходит вся эта энергия. Я встречал людей на арт-сцене, и они знали, что я пришел из этой культуры, они говорили: «О, чувак, я люблю его вещи, энергия и возбуждение бьют ключом». Так что это было на самом верху, настоящие люди не могли отрицать этого в то время. Я’ уверен, что у Ли есть свое собственное мнение.

LEE QUIÑONES: Я имею в виду, что в мире искусства был своего рода период перерыва, когда казалось, что они пытаются ухватиться за что-то новое или пытаются сделать что-то — повторить что-то (мы) — с новой вспышкой. Нужно помнить, что картин еще очень много, 1980 год — это огромная вспышка в поездах, так же как это начиналось в галерее над землей. Сейчас лишь несколько представителей граффити-традиции начинают перестраивать свои концепции, свой стиль рисования, свой подход для художественных галерей — мы, Донди, Раммелзи и такие люди, как A-One… В 80-м Футура выводит машину Break, я — машину Silent Thunder, и на обеих машинах нет наших имен. А потом у вас есть машина Campbell’s Soup Фреда’.

$55 M. Пикассо на аукцион, произведения крупного коллекционера, пожертвованные Колледжу, и многое другое: Morning Links from April 6, 2021

To receive Morning Links in your inbox every weekday, sign up for our Breakfast with ARTnews newsletter.


THE BIG-TICKET MAY AUCTIONS IN NEW YORK ARE NEARING, and news of key lots is trickling out. One highlight of the action: a 1932 Pablo Picasso portrait of his then-lover Marie-Thérèse Walter, which will appear at Christie’s on May 11 with высокая оценка в 55 миллионов долларов СШАARTnews reports. Аукционный дом переоборудован — это ежегодные весенние современные и современные распродажи. На этот раз один из них будет ориентирован на искусство 20-го века, другой — на материал с 1980 года по сегодняшний день. In other auction news, the collection of artist and patron Yvonne de Chavigny Segerstrom, which includes Claire FalkensteinBarbara Hepworth, and Fairfield Porterwill be sold by Bonhams at sales in New York and Los Angeles this year, Penta says. And Phillips is set to open its new space in Midtown Manhattan, a glowing glass cube designed by studioMDA’s Markus Dochantschi, in June, according to 6sqft. Его аукционный зал будет виден с улицы.


ART MUSEUM COLLECTIONS ARE ON THE MOVE. In Italy, the Uffizi is sending some of its art to neighboring towns through its Uffizi Diffusi program, aiming to spread around tourists euros and reduce crowding at its Florence home. In France, the Centre Pompidou has said it will hopes to partner with other art institutions in the country to show its holdings when it closes in 2023 for a three-year renovation, ARTnews reported last week. Now the MMCA Art Bank, which is a subsidiary of the Museum of Modern and Contemporary Art in South Korea, is readying a show of its work that will visit four cities in the nation this year, the Korea Herald reports. Арт-банк был основан в 2005 году с целью предоставления произведений искусства для демонстрации в общественных и частных местах с помощью различных механизмов. В настоящее время в нем хранится около 4000 произведений.



Bennington College in Vermont has received a gift of 500 works from the estate of the collector and philanthropist Melva Bucksbaum, who was a major supporter of contemporary artists. Около половины работ пойдут в преподавательскую коллекцию, а другая половина будет выставлена на аукцион с участием одного владельца на Лестнице Гудзона в Нью-Йорке для сбора средств на стипендию. [Press Release/Vermont Business Magazine]


Writer Adam Gopnik has filed on Alexander Nemerov’s new book, Fierce Poise: Helen Frankenthaler and 1950s New York. Это «одна из тех книг… в которой выдающийся ученый, по сути, говорит, что, будучи выдающимся ученым, я буду писать, как человек», — утверждает Гопник. [The New Yorker]

А брат Адама Гопника, художественный критик и биограф Blake Gopnik, имеет эссе, критикующее недавние США. appeals court ruling that a 1984 Andy Warhol portrait of the musician Prince was  не защищен добросовестным использованием, и нарушил авторское право фотографа, на чьей работе оно основано. [The New York Times]


Cameron and Tyler Winklevoss got the profile treatment, and went into how they are building their Nifty Gateway and Gemini blockchain platforms as places to store and trade everything from property to video game characters. «Ты хочешь выбрать ту нишу, где есть реальное поглощение рынка», — сказал Кэмерон. «Ты не хочешь сварить океан». [Forbes]


Гленн Адамсон, бывший директор Музея искусств и дизайна в Нью-Йорке, написал 400-летнюю историю ремесла в Америке. «Я призываю людей не воспринимать оппозицию художественным ремеслам как естественную», — сказал он в интервью. «Единственная причина, по которой мы думаем, что в первую очередь — это динамика власти». [The New York Times]


Hilde Lyn Helphenstein, the artist and curator who runs the popular art world-skewering Instagram account Jerry Gogosian, discussed her meme-making. [Обсервер]


The Kicker

ALAS, THERE IS NOT ROOM IN THIS NEWSLETTER for every celebrity NFT drop (apologies to the The Weeknd), but an exception must be made for musician and artist M.I.A. The “Paper Planes” rapper is set to release NFTs or digital works through the Foundation platform, Pitchfork reports. She apparently made one, titled KALA COYN, back in 1996. She seems pretty excited about the project, saying in a statement that the works are “a living, breathing, psycho-spectral canvas that crystalizes this moment in time for me. Visually, it’s a mind fuck and embodies everything I’ve loved about the digital art arena. It’s only now that the appropriate gallery for my work finally exists.” The first one will be release for sale on Thursday. [Pitchfork]


Спасибо за чтение. Мы’увидимся завтра.

Court Delivers Blow to Warhol Foundation in Fair Use Appeal Over Prince Portraits

In a major loss for the Andy Warhol Foundation, 2-й Окружной Апелляционный Суд в пятницу постановил, что знаменитый поп-художник не использовал по назначению Линн Голдсмит’ s 1981 портрет Prince для своей собственной серии изображений 1984 года, похожих на те, что были. Это решение фактически отменяет решение, принятое в 2019 году Южным окружным судом Нью-Йорка, которое было отклонено в пользу Фонда Энди Уорхола, и теперь дело вернется в нижестоящий суд.


Иск, первоначально поданный в 2017 году известным фотографом Голдсмитом, касался Уорхола и №8217; 1984 “ серии «Принс» и №8221; в нем были представлены изображения, основанные на фотографии фотографа и №8217; портрет принца, сделанный во время выполнения задания на Ньюсвееделю. В 1984 году Голдсмит выдала лицензию на портрет принца Vanity Fair, которая затем поручила Уорхолу сделать на его основе художественное произведение. В рамках серии Уорхол создал еще 15 работ. Голдсмит утверждала, что не знала об этой серии до 2016 года, когда принц умер, а Конде Наст опубликовал журнал, посвященный памяти принца, в котором было представлено изображение Уорхола и № 8217, без всякого упоминания о компании Goldsmith.


В этом иске были поставлены вопросы о том, были ли работы Уорхола и №8217; были ли они “ преобразующими.” изменил ли Уорхолл Голдсмит и №8217; изменила ли его эстетику таким образом, что его образы имеют меньшую глубину и более яркие оттенки по сравнению с оригинальным портретом. В своем решении для апелляционного суда судья Джеральд Линч писал, что Уорхол’ исполнения Голдсмита’ изображение не может рассматриваться “ преобразующий ” из-за этих визуальных расцветок.


“ Серия «Принс» сохраняет основные элементы исходного материала, а модификации Уорхола служат главным образом для увеличения одних элементов этого материала и минимизации других,” Линч писал. “ В то время как совокупный эффект этих изменений может изменить «Фотографию Голдсмита» таким образом, что создаст другое впечатление о его предмете, «Фотография Голдсмита» остается узнаваемым фундаментом, на котором построена серия «Принс».”

<Кроме того, Линч писал: "Goldsmith&#8217"; способность лицензировать свой портрет на публикации может быть ослаблена сериями Уорхола. “ хотя первичный рынок для "Фотографии Голдсмита" и "Серии принцев" может отличаться,” решение суда ’ решение суда “ работы из "Серии принцев" представляют собой ощутимый вред для рынка Голдсмита, чтобы лицензировать "Фотографию Голдсмита" для публикаций в редакционных целях и для других художников, чтобы создать производные работы на основе "Фотографии Голдсмита" и подобных работ.”

Goldsmith не ответила сразу же на запрос на комментарий, поданный через контактную форму на ее сайте.


Юк Никас, юрист, представляющий Andy Warhol Foundation, заявил в заявлении для ARTnews, что есть планы опротестовать решение пятницы и №8217;s. “Более пятидесяти лет устоявшейся истории искусства и общественного мнения подтверждают, что Энди Уорхол является одним из самых преобразующих художников 20-го века,”“Хотя Фонд Уорхола решительно не согласен с решением Второго Округа, это не меняет этот факт, равно как и не меняет влияния работы Энди Уорхола на историю.”